Pon una Foto en la Calle: "Construyendo algo distinto"

El pasado domingo 18 de mayo se realizó por segunda vez en Neuquén el Festival Internacional de Fotografía PFC: “Pon una Foto en la Calle”. El lema de este año fue “Construyendo algo distinto”. Este año PFC Neuquén contó con 165 participantes de diez países distintos, sumando un total de 360 fotos aproximadamente.  

A pesar del clima cambiante, con algunas nubes grises que amenazaban con arruinar el día y el fresco viento que se hizo sentir en el Valle; se pudo disfrutar de una maravillosa jornada al aire libre. Aficionados de la fotografía, familias, amigos y niños se reunieron con mate de por medio, para compartir en la segunda edición de PFC Neuquén.

El movimiento PFC nace en 2009 en España de la mano del fotógrafo Juan Carril Márquez, actual Director General del proyecto a nivel internacional. Esta iniciativa surge con la intención de demostrar que el arte es algo público y así poder ponerlo al alcance de todos. 

El festival se celebra el 18 de mayo en diferentes ciudades de todo el mundo. Se eligió esta fecha por ser el día internacional del museo, como una forma de criticar esa forma privada del arte, no se necesitan espacios cerrados porque el arte es algo de todos, público, por lo tanto debe estar presente también en la calle. “La idea es que la foto quede expuesta a la calle para que cualquiera pueda tener acceso, que no sea una cuestión elitista ni nada de eso”, expresó Carolina Guajardo, delegada de PFC Neuquén.

En cada país que participa del festival hay un coordinador nacional que tiene a su cargo los delegados provinciales, y estos a su vez a los delegados interprovinciales. De esta manera se logra una mayor organización. La coordinadora nacional de Argentina es Sandra Marzochini.

Carolina Guajardo, delgada de PFC Neuquén, nos comentó que la convocatoria a los participantes es abierta al público en general, “no es que tienen que ser fotógrafos o sacado con tal cámara, sino que cualquiera puede enviar sus fotos, de hecho este año se puedo ver que había desde fotos  familiares, hasta fotos increíbles. Ese es un poco el espíritu de PFC, que todos puedan participar y que aunque no seas fotógrafo igual tengas tu espacio.”

El festival que se realiza en Neuquén tiene la particularidad de que la gente puede llevarse a su casa la foto que más le guste, sin costo alguno. Esto no es parte del reglamento de PFC, sino una propuesta que nació desde los organizadores de Neuquén, una modalidad que se está adoptando cada vez más en diferentes sedes. “Está bueno lo que se genera en la gente de poder llevarse la foto, es una continuidad del espíritu de PFC”, comentó Carolina. 

De esta manera se llevó a cabo el Festival Internacional de Fotografía PFC, que se celebró también en muchas otras ciudades del país y del mundo. Un movimiento artístico y cultural que va creciendo año a año y va trascendiendo las fronteras, todos unidos por la fotografía. Según nos comentó Carolina Guajardo, este año Argentina fue el país que más participaciones tuvo a nivel nacional.

Redacción y Fotografía: María Victoria Campagna.

En escena: "Desgracia con Suerte"

El viernes 28 de marzo Araca Teatro de Neuquén presentó la obra teatral, ya conocida por muchos, “Desgracia con Suerte”. Un unipersonal de humor basado en hechos reales que cautivó a todos sus espectadores de principio a fin.  

 

Lala Vega, una actriz con una formación autodidacta, es quien da vida a Raquel una maestra rural que sufre un accidente de tránsito y debe lidiar luego con todos los trámites legales por su licencia médica. Un accidente que no fue ni más ni menos que una “desgracia con suerte”.

La obra dirigida por Fernando Aragón lleva más de seis años en escena, que con algunos agregados y modificaciones sigue en pie y con mucho éxito. Una atrapante historia llena de humor que refleja la realidad de lo que tuvo que padecer una maestra neuquina.  

Lala nos comentó que en la obra se trata de “ver un poco de cerca la historia de una mujer, que trabaja, que tiene que cuidar al padre y a los chicos, con un montón de responsabilidades. Y en medio de todo eso le pasa algo terrible que de alguna manera la lleva a descubrir un mundo que le apasiona, que le entusiasma, y que hasta la lleva a descubrir el amor en una persona más joven.”

La actriz nos cuenta que la asistente de dirección había sufrido este accidente, tal y como se lo cuenta en la obra, incluso hay pasajes enteros que son reales de las notas que ella mandaba para defenderse. A partir de entonces Lala comenzó a bromear con esta situación a través de un personaje que interpretaba, la salteña. “Empecé a jugar con la salteña, a imitarla. Y entonces el director dice: la salteña tiene que hacer de maestra y tiene que hacer la historia de Gabi”

La obra se realizó en base a las 60 notas, de un total de 160 páginas, que Gabriela había enviado a la ART (Asociación de Riesgos del Trabajo) para defenderse. “Una cosa de locos. Yo empecé a leer y me reía sola. Pero además me reía porque ella hablaba con un lenguaje excesivamente florido a la comisión médica, no tanto como el que yo uso, yo lo agrandé. Entonces empecé a bromear sobre las mismas notas, a hacer esas frases enredadas”,  dijo Lala Vega. 

Esta historia se fue construyendo de a poco con aportes de los tres, Gabriela la maestra que inspira la obra, Lala Vega quien la protagoniza, y Fernando Aragón quien la dirige. Se diseñaron las maquetas y la escenografía, se desarrolló el diálogo, y muchas cosas fueron tomadas de la experiencia de la misma actriz como profesora de teatro. “Se ha ido modificando, cuando recién empezó duraba 50 minutos y ahora está durando una hora y 20. Pero ha ido creciendo el espectáculo, y hay cosas que yo fijé y otras que improviso.”

La actriz destacó la labor del director, por la dificultad que representa realizar un espectáculo del cual no tenes texto, partís de la nada, de una nota verdadera dirigida a una comisión médica. “Pero Fernando Aragón tiene una cabeza bárbara para estructurar, para encontrar todos esos pequeños recursos que son siempre una novedad, siempre una cosa nueva que sorprende al público.”   

Desgracia con Suerte ya es un clásico de Araca Teatro que sigue atrayendo y cautivando a nuevos espectadores. Así se vivió una noche llena de carcajadas y humor, que muy pronto podrá volver a disfrutarse.



Redacción y Fotografía: María Victoria Campagna.

El MNBA presenta: "VII Premio Nacional de Pintura Banco Central 2013"

El viernes 14 de marzo el Museo Nacional de Bellas Artes de Neuquén inauguró la colección de obras del “IIV Premio Nacional de Pintura Banco Central 2013”. De esta manera se inició la muestra itinerante que visitará distintas provincias y museos del país. En la exposición puede apreciarse una colección de 33 pinturas de artistas de diversos puntos de Argentina.

El Banco Central de la Nación busca fomentar y difundir el arte contemporáneo nacional, premiando y distinguiendo a artistas de diferentes generaciones y estilos, por su talento y desarrollo artístico. Este año se presentaron 600 artistas con un total de 1800 trabajos, de los cuales, luego de un exhaustivo proceso de evaluación, quedaron seleccionadas 33 obras.

El jurado que estaba a cargo de la selección y premiación se encontraba integrado por Victoria Verlichak, Cecilia Rabossi, Felipe Pino, Teresa Pereda y Francisco Benítez, con la curaduría de Alberto Giudici. “La idea siempre es que sea de pintura, no hay esculturas, ni grabados, ni otras técnicas”, nos comentó Noelia Gonzáles, guía del MNBA.

Este año se realizó una mención especial a un artista de una gran trayectoria, Gyula Kosice quien fue reconocido con el Gran Premio Homenaje por su obra “Gota de Agua Móvil Azul y Blanca”.

 

Noelia Gonzales guía del MNBA, nos explicó que este año no se presentó ningún artista neuquino al concurso, si bien en otros años si se han presentado. Además nos informó que hubo bastante concurrencia por parte del público para visitar la muestra, y que esperan que en abril aumenten las visitas, “en abril empiezan a venir principalmente las escuelas, que es uno de los públicos más frecuentes que tenemos. Las primarias, los jardines y las secundarias.”

Si bien no se sabe con exactitud cuánto tiempo permanecerá la muestra en el MNBA de Neuquén, se estima que serán al menos durante dos o tres meses más. La exposición es de entrada libre y gratuita, y puede visitarse de Martes a Viernes de 10 a 21, Sábados de 10 a 14 y por la tarde de 18 a 22, Domingos y Feriados de 18 a 22. Los Lunes permanece cerrado.

 Redacción y Fotografía: María Victoria Campagna

Formando Artistas, paso a paso...

La Escuela Superior de Arte Escénico Lavalle, además de las Carreras de formación profesional, brinda diversos talleres de expresión artística para todas las edades. Entre ellas se encuentran teatro, preparación vocal, danzas y canto. 

Juan Pablo Ríos, dicta clases de teatro en la Escuela Lavalle hace 4 años, con grupos que van desde los 6 a los 60 años. Nos cuenta que “En los primeros años se ve lo que es integración, armado de escenas, estructuras; porque recién están entrado al espacio y empiezan a conocerlo dentro de la escena y el juego.” Además destaca que uno de los ejes más importantes es la improvisación y el juego, se trabaja con esto a partir de una consigna, para que los chicos no estén tan pendientes del texto y puedan jugar en escena. 

Por otra parte, Pablo Benegas ex alumno de la Carrera de Interprete Profesional es actualmente profesor de bailes, especialmente de Hip Hop, nos comentó “Mi trabajo consiste en formar artistas completos, como lo llamamos nosotros, que no se dediquen solamente a un rubro en especial, que complementen todo e integren todo en lo que nosotros llamamos comedia musical. Hoy en día hay que saber hacer de todo, por eso mi trabajo acá es formar mentes y cuerpos para que se expresen de forma artística y que enseñen algo.” 

Nos cuenta además que trabaja con chicos desde los 9 años, con grupos de preadolescentes y adolescentes. Es un entrenamiento muy exigente que incluye flexiones de brazos, giros múltiples, todo lo que sea fuerza y flexibilidad, y hacer como mínimo dos piruetas. Además trabajan mucho con el “free style”. 

Y agregó que en su grupo de Street Dance enfatiza mucho en la conexión entre cuerpo y mente, "trabajamos sobre los miedos, trabajamos sobres las inquietudes, las ansias, todo para poder liberar la mente. No sólo estamos formando artistas, sino personas. Yo profundizo mucho en la liberación de todo eso."

A partir de este año se incorporaron dos nuevas profesoras de canto y vocalización para todas las edades. Una de ellas es Rossy Molina, preparadora vocal, quien destaca que lo más importante es la colocación de la voz y la entonación. Sin embargo, durante las clases se trabajan diferentes aspectos, como la relajación del cuerpo, la respiración, la relajación de las cuerdas vocales a través de algunas consonantes, para que a fin de año puedan lograr una voz hablada ya que los chicos tienen que bailar, cantar y hablar en las obras. 

Por último Florencia Lopardo, da clases a los más pequeños de 6 a 10 años. La joven profesora nos confesó: “nunca tuve mucha onda con los nenes, entonces cuando Claudia me dijo tenés que darles clases a los niños, me asusté un poco. Pero después todo lo contrario, ahora llego y vienen a abrazarme, me llevo re bien y me está empezando a gustar la idea de trabajar con nenes.”  

Nos explica que da canto, una vocalización y les enseña cómo es la apertura para el canto, dónde hay que colocar la voz, lo básico para que entiendan. Además trabaja con el piano para calentar la garganta, y después trabajan con las canciones del musical que se van a realizar a fin de año junto con las coreografías, haciendo un repaso desde el comienzo.

Así como ellos, la Escuela también cuenta con otros profesores en las distintas ramas, con la misma dedicación en la formación profesional de los artistas y con un trabajo personalizado y con mucha pasión en las formas de expresión. 

Al Estilo Broadway

La Escuela Superior de Arte Escénico Lavalle se encuentra ubicada en Santiago del Estero 1155 de Neuquén Capital. Fue fundada en 2002 por la reconocida directora de teatro musical Claudia La Valle, quien fue además la precursora de esta corriente artística en la zona. 

Con mucha amabilidad y simpatía, Claudia nos abrió las puertas de su segundo “hogar” para contarnos todo sobre su vida profesional y el funcionamiento de su Escuela. 

Que te garúe finito: ¿Cómo fue tu formación profesional?

Claudia La Valle: Fue en Buenos Aires hace mucho tiempo. Si bien yo tengo una Escuela de Teatro Musical, antes no existían estas escuelas específicas. Así que nos preparábamos teatro por un lado, canto por el otro y danza por el otro. Con profesores y maestros que no me los olvido nunca porque son espectaculares, y que me han marcado en realidad en cosas que yo hoy tengo con los alumnos, fueron ellos los que me han marcado. Así que bueno, me preparé en todo eso en buenos Aires.

QTGF: ¿En qué academias te formaste?

CL: Estudié con Alejandra Boero en “Andamio 90” que es una Escuela de Teatro maravillosa. Después de mis profesores de Danza algunos fueron del Colón como Eterlinch y Cristina Longo; de Contemporáneo Freddy Romero. Fui con grandes maestros, no en un lugar específico pero si con grandes maestros. En canto Carlos Capdevila que era un genio, Nacho Ventura. 

Principalmente aprendí muchísimo trabajando, cuando empecé a trabajar profesionalmente, y ahí es donde aprendí con coreógrafos, con directores o actores importantes como Nacha Guevara, Ricardo Darín, tuve la suerte de compartir el escenario con ellos y otros muchos más como Luis Brandoni, etc.

De todos yo siempre fui una gran observadora, entonces aprendí a mirar y fui absorbiendo todo. No es que iba a trabajar y hacía lo mío, siempre traté de observar mucho y de aprender. Absorber todo lo que los demás tenían como grandes maestros.

QTGF: ¿Cómo se inició tu Escuela? ¿Cuáles fueron tus objetivos principales?

CL: Mirá, yo vine a Neuquén en el año 2001 y yo ya venía haciéndolo. Cuando llego a Neuquén empecé a proponer esto del teatro musical, la comedia musical no se conocía. Yo me acuerdo que hacía como charlas orientativas en las que la gente me decía ¿Qué es eso? Y como que se empezó una movida y me gustó el hecho de implementarlo. Había mucha gente que conocía el género pero no tenía la oportunidad de ir a Buenos Aires.

Entonces cuando la abrí, toda la gente que tenía ganas se acercó. Incluso hubo profesionales como Miriam Rotter, que fueron mis primeros alumnos, gente que ahora tiene escuelas o ya las tenía. Algunos todavía están, aunque parezca mentira porque esto fue en el año 2002 que fue cuando empecé realmente.

El primer año fue como para toda la gente que quería conocer. El segundo tripliqué los alumnos, por el boca en boca. Yo siempre digo que cuando uno hace bien el trabajo, después los beneficios se ven solos. Porque si bien venía de Buenos Aires y hay mucho prejuicio con eso, en realidad no, todo lo contrario, a mí me recibió muy bien Neuquén y yo me vine acá al Sur por un hecho de calidad de vida, de vivir mejor por la ciudad, con mis dos hijas que eran re chiquitas. Entonces bueno era un poco agradecer y volcar todo lo que uno fue trayendo en  toda su trayectoria, y un poco se lo fui dando a los alumnos. 

Empecé dando clases en la Conrado Villegas, después fui a otro lugar y hoy tengo este lugar que hasta tiene teatro. Fue realmente a pulmón. Mi marido también tuvo mucho que ver, me ayudó, no económicamente porque eso se fue generando con la Escuela, pero si en el apoyo, en implementar este lugar que es muy grande y el se da mucha idea de todo eso. Entonces fue construir mucho sobre todo lo que se fue haciendo. Y eso está bueno.

QTGF: ¿Qué criterios tenés en cuenta a la hora de seleccionar una obra?

CL: En realidad los alumnos me dicen: hagamos tal cosa, hagamos tal otra. Sigo lo que ellos quieren hacer. Hay veces que yo digo “vamos a hacer esto” porque es algo que a mi me gustaría hacer. Hice el musical “Rent” que fue impresionante, o “Despertar de Primavera” que fue otro muy grande. Entonces los musicales un poco los alumnos dicen “hagamos este por favor que me muero por hacerlo” y ahí seguí la intuición de ellos. Es muy lindo trabajar cuando los alumnos quieren hacer eso porque lo armas con muchas ganas. Lo que se genera en los ensayos es mucho más lindo que lo que se ve después.

Las adaptaciones también uno lo hace en función de la gente que tiene, del talento que hay. Hay una obra que es muy exigida, demasiado exigida entonces uno lo adapta de acuerdo a la exigencia que tiene con los alumnos; o al revés, un musical es muy liviano y por ahí hay gente que está todavía más preparada, entonces descarto ese musical y busco otro más exigido. Uno va viendo en función de lo que tiene, siempre fue así.

Está bueno cómo los alumnos van creciendo y se fue generando este elenco de artistas patagónicos que realmente saben hacer de todo: cantan, bailan todos los estilos, desde tap hasta un jazz maravilloso. También cantan todos los estilos, acá en la Escuela se les da varios géneros para que ellos vayan buscando su propio estilo también.

QTGF: ¿Cómo fue la selección de los profesores?

CL: Siempre los seleccioné yo porque tienen que tener un criterio en particular que es personalizar mucho en los alumnos, tener muchas ganas de enseñarle. Viste que hay muchos profesores muy egoístas que les dan hasta un tope porque creen que si no son más que ellos. Todos los que fueron así no están hoy en la escuela. Se quedan los que quieren que el alumno se desarrolle profesionalmente. 

Porque yo soy así, quiero que ellos –los alumnos- se desarrollen profesionalmente, de hecho tengo varios viviendo en Estados Unidos, así que realmente lo que se genera con los alumnos es impresionante y los docentes se acoplan a eso. Es un equipo de trabajo, no son docentes que vienen y no saben lo que hacen. Estamos todo el tiempo con un criterio en común de lo que estamos haciendo.

QTGF: Actualmente ¿Con cuántos profesores cuentan? ¿Cómo se dividen en las áreas de trabajo?

CL: Hay profesores de teatro, de canto son varios porque los grupos son más reducidos. En cambio en teatro son grupos más grandes al igual que en danza pero si, en canto hay varios, son cuatro docentes porque son varios alumnos. Después tenemos el mejor maestro de clásico que es Marcio Chinetti, que acá es el maestro por excelencia. 

Después hay otra profesora de danza que es Luciana Grosvald. Después las profesoras de jazz son las que se han recibido acá en la carrera profesional como Malena Montoya, Pablo Benegas. Luego de música hay uno. Son varias disciplinas que hay. Incluso hay distintos docentes para los talleres que para la carrera. Son muchos docentes.

QTGF: Al momento de hacer una obra, ¿Se fusionan las clases, los alumnos de distintos talleres?

CL: No, se dividen todos por grupo, de hecho hacemos como doce performance en el año. Cada grupo tiene su obra y su día. Es un laburo terrible, es mucho más fácil decir: “bueno chicos, hacemos todos juntos”, de hecho una vez lo hice pero fue un estrés bárbaro. Ahora en el español lo que hago es unid tres grupos de talleres porque son muchos, además todos quieren estar en el español porque está nuevo. 

QTGF: ¿Qué edades abarcan los talleres y la carrera?

CL: Los talleres desde los 7 años hasta los 60. Hay grupos de adultos, tengo dos grupos de adultos que son maravillosos. Hay grupos de adolescentes, más jóvenes, pre adolescentes, eso es todo el taller. Después la carrera si, es a partir de los 14 años en adelante y hay un tope de edad, salvo que sea canto y ahí sí. Pero después con danza tenes un límite y con teatro igual. 

QTGF: ¿Tienen algún cupo? ¿Hay algún examen de ingreso?

CL: No. Porque esta Escuela no es de nivel terciario. Mi Escuela, como la idea es que sean profesionales, es muy difícil decirles: “no podes entrar”.  A veces, te digo, sería bárbaro tener un examen de ingreso. A veces, sin embargo, lo más meritorio y lo que más me gusta es que la gente que no sabe nada sacarlos buenos, porque vienen con una ilusión, con muchas ganas y eso es lo que nosotros queremos. Mientras haya voluntad, yo creo que todo es posible. Algunos llegarán a ser más que otros, pero algo siempre hacen.

QTGF: ¿Qué obras van a realizar a fin de año?

CL: Ahora vamos a volver a hacer “Despertar de primavera” con los chicos más avanzados de la carrera. Con los adultos hacemos “Forever Young” que es una obra musical que se está dando ahora en Buenos Aires. Con los más chicos “Oliver Twist & Annie”, “Locos Re cuerdos” que es un infantil. Los más adolescentes quieren hacer “Fama”, que también la hacemos.

Yo hace poco hice como grande, como producción “Jazz Time” que fue impresionante. Fue un Español lleno de pie que para mi es increíble. Con músicos en vivo, orquesta en vivo. La gente si no sabía qué era, parecía un espectáculo de Buenos Aires. Se unieron varios talentos juntos y la obra fue increíble.

Gustavo Lioy: La voz de un director

Era una cálida noche de sábado, llegamos al Arrimadero Teatro cerca de las 20.30 y al ingresar nos recibió con mucha simpatía una actriz que esa noche se encontraba trabajando en la taquilla. El lugar aún estaba vacío, las mesas ya acomodadas para la función y Gustavo Lioy, el director de "Juego de Damas Crueles", se encontraba detrás de una consola haciendo los últimos ajustas de iluminación.

Aguardamos algunos minutos y luego nos dirigimos a los camarines para encontrarnos con todo el elenco, mientras las actrices se maquillaban y peinaban. Luego de conversar con todo el elenco, pudimos tener una charla más personalizada con Gustavo, para que nos cuente un poco más sobre su carrera y formación profesional.

Que Te Garúe Finito: ¿Cómo empezaste tu carrera en el teatro y que fue lo que más te motivó?
Gustavo Lioy: ¿Hacer teatro? Siempre quise hacer teatro, en realidad yo quería ser actor de chico, desde que empecé a ir al teatro a los 5 años y vi mi primera obra. Yo vi que quería estar arriba del escenario y quería hacer eso que estaba viendo. No entendía muy bien ni cómo ni cuándo pero yo quería estar haciendo teatro.

Después en la adolescencia seguí haciendo talleres y a los 21 entré en el Conservatorio de Arte dramático en la carrera de actor. En el último año de la carrera me di cuenta que me gustaba más la dirección que la actuación.

Trabajé muy poco como actor, de hecho hice 4 obras como actor y dirigí 16. Entonces, lo que hice cuando salí de la carrera de actor fue trabajar al lado de directores. En los proyectos que salían yo, como asistente de dirección de un montón de gente, fui aprendiendo del oficio al mismo tiempo que iba trabajando. No estudié dirección sino que me formé trabajando como asistente de productores y desde el 2000 empecé a dirigir mis propios espectáculos.

QTGF: ¿Y no te atrapa la idea de volver a la actuación?
GL: No. El año pasado me retiré. Fue mi último espectáculo que hice como actor. A los 40 decidí cortar con la actuación. La verdad es algo que no me divierte mucho. O sea, es un trabajo, lo hago, pero si tengo que elegir, me quedo con el de director. Me parece mucho más divertido, más interesante, más rico para mí, el director que el actor.

Lo que sucede acá en Neuquén particularmente es que hay muy pocos actores varones. Hay muchas mujeres, muchas actrices. Yo veo que a veces los directores tenemos que prestarnos entre nosotros a trabajar en las obras de los colegas. Entonces luego uno termina actuando con un director y después ese mismo es actor en una obra nuestra. Por eso actué más de lo que hubiese querido.

QTGF: ¿Por qué decidiste venir a Neuquén?
GL: Vine huyendo en realidad de una desilusión con Buenos Aires. En lo personal creo que también con la Ciudad. Estaba muy peleado con lo laboral, no funcionaba. Surgió la posibilidad de venir un verano para acá. Vine en un momento en el que no había nada de teatro así que encontré la posibilidad de empezar a trabajar de a poquito y terminé quedándome. A los siete meses hice la mudanza definitiva y no paré.

La verdad es que estoy más que agradecido porque Neuquén me dio la posibilidad de vivir del teatro cosa que Buenos Aires no me dio. Ninguna otra ciudad en la que viví me dio la posibilidad de vivir del teatro como me lo dio Neuquén, por eso que estoy más que agradecido.

Foto gentileza de Lidia Barreto de "Son Miradas Fotografía."

QTGF: ¿Qué opinas sobre la producción de teatro a nivel provincial?
GL: Hay mucha producción. Yo veo que cada vez hay más teatro y está bueno. Creo que hay de todo, hay teatro muy bueno y teatro muy malo, y también un teatro estándar, y eso me parece que es muy interesante.

Lo que sucede es que cuanto más teatro hay, el público se acota. Hace cuatro o cinco años al haber mucho menos producción las obras estaban mucho más tiempo en cartel e iba más público. El espectador es más o menos el mismo, es poco lo que ha crecido en estos años.

Hoy viene menos público, pero también es interesante eso porque te pone en un lugar de mejorar cada vez más y que cada obra sea superior a la anterior. No te podes relajar y estar tres años con la misma obra porque se te acaba el público. Hay que producir algo nuevo y eso, a nivel artístico, es muy interesante.

QTGF: ¿Qué función cumplís dentro de El Arrimadero Teatro?
GL: Soy el Director artístico de la sala, por mis manos pasa la programación, qué obras se ponen en el escenario, todo lo que tiene que ver con teatro. Después hay otra chica que se encarga del área música y otra que se encarga de los talleres. Además soy un poco como el administrador, llevo las cuentas, llevo los trámites.

Por otro lado, formo parte de una asociación civil cultural sin fines de lucro que son “Los Siete Locos”. Somos los que manejamos el espacio, o sea, las tareas están repartidas, todos tenemos una función específica dentro de la asociación y del manejo de la sala.  

QTGF: ¿Tenes algún grupo o equipo de trabajo fijo?
GL: Yo tenía un grupo de trabajo, pero hasta el 2010. En ese año se terminó el grupo que yo había formado cuando llegué, que se llamaba Sur Menage. Con ese grupo hicimos varias producciones pero por cuestiones internas se disolvió. A partir de ahí decidí que quería tomar distancia con el tema grupal.

Prefiero armar elencos concertados para cada una de las obras que yo tengo ganas de ir haciendo. Este elenco es para esta obra y no se va a repetir en otra ni viene de otra. Sí, a veces se repiten los actores, suelo mezclar mucho los actores. Esta actriz va a estar en la próxima obra, esta actriz no va a estar en la próxima pero capaz que dentro dos o tres obras vuelva a aparecer. Me parece que a mi no me funciona el trabajo grupal ya en esta instancia, prefiero el recambio constante de gente.

QTGF: ¿Cómo manejas los diferentes recursos? ¿Vestuario, escenografía, musicalización, iluminación?
GL: En mi caso, el vestuario ya hace tres espectáculos que lo viene haciendo Yazmín Mer que es la vestuarista que tenemos. Confío en ella el tema de diseño y confección de vestuario.

La escenografía la pienso yo pero la hacemos con el resto del grupo dependiendo del proyecto. En el caso de la iluminación lo hago yo y lo trabajo con el técnico de la sala y entre los dos vamos inventando.

En esta obra en particular la iluminación no está muy presente, no era mi intención, ni tampoco la escenografía. Es bastante despojado todo lo que es el recurso visual. Me parece que acá es más importante el texto, porque tenía ganas de que se lucieran y que se luzcan los actores diciendo sus líneas. Le saqué todo lo que contaminara esa atención. Además, no hay música. La música es en vivo y la hacen los mismos actores. Hay un personaje que se dedica a cantar toda la obra.